Category: Recenzii

Frumusetea animatiei este ca in acel mediu se poate spune literalmente orice poveste. Pentru a-l parafraza pe Marty Sklar (si nu pe Walt Disney), „Daca poti sa- l desenezi , o poti face”. Si totusi, versatilitatea animatiei a dus, in anumite privinte, la incadrarea acesteia ca o modalitate de a spune povestile care nu au putut fi spuse prin actiune live. Povestile fantezie cu animale antropomorfizate, vorbitoare si lumi magice sunt printre cele mai populare dintre acestea. Dar, deoarece efectele digitale permit povestilor live-action sa creeze lumi ca niciodata pana acum, este probabil potrivit ca Pixar sa fi folosit animatia pentru a ne oferi Elemental si a spune o poveste pe care o vedem de obicei in actiune live, dar intr-un mod care este pur Pixar. . 

Ember Luman (Leah Lewis) este o persoana de foc, o flacara vie literala intr-o lume in care viata este alcatuita din rase bazate pe cele patru elemente clasice: pamant, aer, foc si apa. Ea este fiica imigrantilor care au parasit Fire Land inainte de a se naste pentru a gasi o noua viata in Element City, un tinut in care cele patru rase traiesc impreuna, desi oamenii focului se pastreaza in mare parte pentru ei in cartierul lor. Ember a fost crescuta pentru a mosteni magazinul tatalui ei, desi temperamentul ei infocat ii face dificil sa astepte clientii.

Intr-o zi, temperamentul lui Ember sparge din greseala o conducta de apa si ii prezinta lui Wade Ripple (Mamoudou Athie), un om de apa si inspector al orasului, care apoi incepe sa scrie magazinul pentru o serie de citatii. Ember incearca sa rezolve aceasta problema fara ca parintii ei sa afle vreodata. Un Wade simpatic incearca sa ajute, ceea ce face ca perechea sa petreaca timp impreuna si descopera ca, in ciuda faptului ca sunt literalmente foc si apa, au o legatura.

Elemental este o poveste pe care am mai auzit-o, dar intr-un fel pe care nu l-am vazut niciodata. 

Intriga de baza a Elemental cu siguranta nu este ceva nou. Este o poveste de dragoste literala in stil „opusele atrag”, cu o picatura din clasicul „urmareste-ti visele” pentru buna masura. Ceea ce il separa pe Elemental de restul este ca, desi stim ritmul intrigii, pur si simplu nu le-am vazut niciodata facute in acest fel. Am vazut aceasta poveste facuta in actiune live, dar nimeni nu a tradus-o pana acum in animatie. 

Regizorul Peter Sohn a creat cea mai puternica naratiune bazata pe personaje pe care am vazut-o vreodata intr-un film de animatie important. Nu exista (aproape) nicio poveste de spus aici dincolo de relatia dintre Ember si Wade. Ii vedem intalnindu-se, realizand ce simt unul pentru celalalt si apoi se confrunta cu ceea ce inseamna noua lor relatie pentru ei insisi si familiile lor. Este primul film de intalnire al Pixar si este frumos.

Umorul caracteristic al Pixar este expus, dar numirea lui Elemental o comedie romantica pentru ca se intampla sa contina romantism si umor nu pare o descriere exacta. Niciunul dintre trofeele traditionale rom-com nu va fi gasit aici. 

Orice poveste romantica traieste sau moare pe baza principiului sau, asa ca, din fericire, Athie si Lewis sunt la inaltime de a face publicul sa empatizeze cu personajele lor, in ciuda faptului ca sunt cu un pas in plus indepartat de realitate. Ember si Wade formeaza un cuplu minunat pe care este usor sa-l radacini. Nici unul dintre ei nu este perfect, dar punctele lor forte se completeaza bine si se invata reciproc cum sa fie mai buni.

Ember si Wade sunt o pereche romantica la fel de buna ca orice cuplu live-action. 

Asta nu inseamna ca povestea in sine se ocupa de ambele personaje in mod egal. Elemental este in cele din urma povestea lui Ember, nu a lui Wade. Wade are o poveste de spus si un arc propriu al lui, dar filmul petrece mult mai putin timp pe partea sa a relatiei, ceea ce face ca arcul sau sa fie mai putin satisfacator. 

Totusi, drama creata de relatia dintre Ember si Wade este suficient de convingatoare incat ar fi putut tine tot Elemental , ceea ce face sa fie pacat ca nu o face. Exista o intriga care se ocupa de cauza finala a problemei cu apa care a adus personajele impreuna, care este ocazional revizuita si, in cele din urma, duce la decorul actului al treilea al filmului. Este tesut in intriga principala intr-un mod care functioneaza suficient de bine, dar tot timpul care a fost folosit pentru a face fata ar fi putut fi folosit pentru a explora in continuare Ember si Wade.

Alegoria rasiala a focului si a apei impreuna este cu siguranta evidenta. Nu este o forta motrice a povestii, dar exista in mod intentionat. Rasismul tatalui din clasa muncitoare a lui Ember fata de oamenii apei este putin mai deschis, dar familia din clasa superioara a lui Wade are propria lor partinire care se vede, chiar daca este putin mai putin directa.

Drama personajelor din Elemental este atat de puternica incat este pacat ca filmul nu lasa sa poarte intregul film. 

Atasata elementului rasial este o discutie despre lupta de clasa, care este cu adevarat in centrul povestii lui Ember. Elemental se deschide inainte de nasterea lui Ember, deoarece asistam la emigrarea parintilor ei in Element City, ceea ce ofera publicului o intelegere a mamei si a tatalui ei si obligatia lui Ember fata de ei, intr-un mod in care multe filme care trateaza subiecte similare nu o fac. Face ca conflictul care vine mai tarziu sa rezoneze cu atat mai mult pentru ca le intelegi si punctul de vedere.

In acest moment, completarea Pixar in animatia sa pare aproape un lucru dat, dar nicio prezentare generala a Elemental nu poate fi completa fara a lua in considerare cat de frumos arata. Faptul ca Ember si Wade sunt facute din foc si respectiv apa, inseamna ca formele lor de caracter nu sunt niciodata nemiscate, chiar si atunci cand nu se misca. Focul lui Ember arde mereu si bulele trec prin corpul lui Wade in mod constant. Detaliile si mestesugurile expuse sunt cu adevarat incredibile. Multi spectatori nu vor vedea niciodata nivelul de detaliu, ceea ce face parte din motivul pentru care va puteti da seama ca este atat de bine facut.

Oamenii care se indragostesc in filme de animatie nu este cu siguranta nimic nou; se intampla tot timpul. Cu toate acestea, nu am vazut niciodata un studio de animatie important precum Pixar sa produca un film atat de romantic precum Elemental. Si da, vei plange.

In „Raiders of the Lost Ark” din 1981 , Indiana Jones de la Harrison Ford deplange „nu sunt anii, ci kilometrajul”, in timp ce Marion Ravenwood, de la Karen Allen, isi repareaza ranile in mijlocul ultimei sale aventuri periculoase si incitante. La peste patruzeci de ani de la prezentarea eroului iconic, Ford revine in franciza cu Indiana Jones si Dial of Destiny, regizorului James Mangold. 

Premiera in cinematografe la cateva saptamani inainte de implinirea a 81 de ani a actorului, anii sunt exact cu ce se confrunta Indy de data aceasta. Si, in ciuda deschiderii celei de-a cincea editii, cu un Dr. Jones in varsta care sprinteaza in actiune in varful unui tren, ultima sa aventura imbratiseaza frumos personajul iubit ca un batran care se lupta cu pensionarea – inclusiv tinuta care vine odata cu acesta. 

Indiana Jones ar fi putut fi lasata destul de bine in anii ’80 cu trilogia originala aproape perfecta a lui Steven Spielberg, dar „noroc si glorie, copil, avere si glorie”. Cincisprezece ani dupa ce Regatul si Craniul de Cristal s-au impiedicat putin de mostenirea lui Indy pentru mase, Dial of Destiny este o calatorie finala binevenita pe calea memoriei pentru Harrison Ford. Cel mai important filmul inchide franciza cu un sentimental pe care altfel nu l-am fi vazut niciodata suficient de la o figura de film atat de mare decat natura precum starul si este un lucru puternic sa vezi un personaj atat de atemporal precum Indiana Jones confruntandu-se cu mortalitatea. , pentru ca Dumnezeu stie, toti ceilalti trebuie sa facem. 

Harrison Ford ofera o performanta spectaculoasa in rolul unui Indiana Jones mai experimentat. 

Sa fim sinceri aici: nu s-ar crede ca ai vrea sa vezi acest personaj ca pe un cetatean in varsta, dar Harrison Ford preia cu mandrie, umanitate si carisma lui obisnuita. Dial Of Destiny il urmareste pe Dr. Jones in timp ce isi ia ramas bun de la indelungatul sau mandat ca profesor de facultate in 1969, in acelasi an cu aterizarea pe Luna. Tocmai in timp ce bea un whisky langa singurul sau pentru a sarbatori sfarsitul vietii sale profesionale, fiica sa Helena (Phoebe-Waller Bridge) ii face in mod neasteptat o vizita. Scopul ei este sa-l atraga intr-o alta misiune pentru a-si incheia cu adevarat cariera in arheologie. In marea moda a filmelor Indy, el nu accepta exact o misiune sau un plan simplu, el devine brusc impins in mijlocul acesteia. 

Studiul caracterului lui Indiana Jones in acest moment particular al vietii sale vine cu o multime de oportunitati pentru Harrison Ford de a construi pe cel mai faimos personaj al sau in moduri care sunt satisfacatoare si chiar provocatoare. De-a lungul aventurii, Dial of Destiny exploreaza consecintele urmaririi trecutului si a marilor sale comori pana la pretul marilor comori ale vietii.

James Mangold gaseste un punct favorabil intre impamantarea eroului nostru si permiterea filmului sa fie (aproape) la fel de palpitant ca si versiunile anterioare. In timp ce Harrison Ford cu siguranta nu sare pe numeroase vehicule in miscare sau nu se lupta cu pumnii mari, cu siguranta exista destule momente pline de actiune pentru a se petrece. De-a lungul filmului, exista o multime de sfaturi grozave, nostalgice, intre dialogul care contextualizeaza istoria Indiana Jones si structura povestii care tine de franciza in sine. Poate deveni prea redundant si de referinta, dar exista ceva deosebit de grozav in el, care isi pastreaza oarecum flerul anilor ’80 intact si nu devine la fel de intunecat si inspaimantator precum Mangold pentru Logan . 

Adaugarea lui Phoebe Waller-Bridge aduce o perspectiva binevenita si proaspata francizei. 

S-a vorbit de multa vreme daca distributia lui Phoebe Waller-Bridge inseamna ca ea va fi „urmatoarea Indiana Jones”. Raspunsul la aceasta intrebare a fost repetat perfect de Harrison Ford intr-un interviu din 2019 pentru Today , unde a spus „Nimeni nu va fi Indiana Jones, nu intelegi? Cand eu sunt plecat, el a plecat. Este usor.” Acest film subliniaza foarte mult acest sentiment, inclusiv prin adaugarea personajului fantastic al lui Waller-Bridge, care aduce o noua dinamica francizei fara a pasi in lumina reflectoarelor stralucitoare a lui Indy. Fara a strica intorsaturile minunate care vin odata cu intalnirea si cunoasterea pe Helena, ea se afla acum acolo printre cele mai bune femei drepte care sa fie alaturi de erou intr-o aventura. 

Acelasi entuziasm nu poate fi impartasit pentru toti jucatorii de sustinere din Dial of Destiny . Antonio Banderas joaca un personaj foarte dezamagitor, iar aparitia lui Sallah al lui John Rhys-Davies pare un dispozitiv pentru nostalgie. Dr. Voller al lui Mads Mikkelsen este un raufacator intrigant, dar nu deosebit de original pentru franciza, ceea ce este de scuzat, avand in vedere ca intriga lui se incadreaza chiar in propriile motive ale lui Dial of Destiny de a incheia mandatul pe marele ecran a lui Indiana Jones intr-un mod poetic si (o mod putin ironic). 

Dial Of Destiny nu se ridica la nivelul trilogiei originale, dar nu trebuie. 

Toate si toate, Dial of Destiny se simte cel mai mult ca o oda catre franciza si fanfara dulce pentru personajul omonim dupa reactia rasturnata a Regatului Craniului de Cristal . Nu, inca nu este la fel de grozav ca capitolele din trilogia lui Steven Spielberg si este mai putin o concluzie necesara sau o mare leagan pentru franciza, deoarece este un capitol suplimentar binevenit. 

Exista elemente in aceasta transa pe care le-am putea obtine abia in 2023 in acest moment din viata lui Harrison Ford ca Indiana Jones si merita sa le experimentam. Am vazut zilele de glorie si de data aceasta vom explora ce se intampla odata ce s-au terminat. Si, probabil ca nu ai plans niciodata pana acum intr-un film Indiana Jones, dar Dial of Destiny ar putea foarte bine sa fie cel in care faci. 

Ei bine, este un an oribil in istoria lumii, dar este un an grozav in fictiunea internationala! Mai exact, thrillerele internationale si noir. Franta si scandinavii sunt, ca de obicei, bine reprezentati pe aceasta lista si exista, de asemenea, o mare emisiune din partea scriitorilor sud-americani si a unui numar socant de italieni.

Imi pare rau, nu imi pare rau pentru cei care cred ca international ar trebui sa insemne doar „setat la nivel international” – in schimb, veti gasi doar titluri care au fost traduse din limbile lor originale in engleza in lista de mai jos. Exista un element suplimentar de comunicare interculturala pe care il primiti atunci cand o lucrare este introdusa cu dragoste intr-o noua comunitate de cititori si nu le pot multumi suficient traducatorilor enumerati mai jos pentru munca lor atenta, precisa si fluida asupra acestor texte frumoase si provocatoare.

Victoria Kielland,  My Men,
tradus de Damion Searls

Urat, brutal si scurt,  My Men  a lui Victoria Kielland prezinta ucigasul de inimi singuratic norvegian-american Belle Gunness, care a ademenit vaduvii si copiii lor la ferma ei cu promisiunea de ingrijire si pamant mostenit, apoi si-a macelarit atat iubitii, cat si familiile lor. Romanul incadreaza cautarea criminala a lui Gunness ca o perversiune aproape inevitabila a visului american. Proza lirica, abstracta si viscerala a lui Kielland, tradusa cu pricepere de Damion Searls, a castigat aprecieri in Norvegia ei natala si este o potrivire atragatoare cu subiectul ei terifiant.

Marie NDiaye,  Razbunarea este a mea
tradus de Jordan Stump

In noul roman sinistru si fermecator al lui Marie NDiaye, un avocat este angajat de sotul unei femei acuzata ca si-a ucis cei trei copii, in ciuda lipsei ei de experienta in procese importante. Intalnirea cu el ii dezvaluie amintiri despre o vizita din copilarie la o casa palatiala, poate ocupata de familia sotului, si se intreaba daca poate si-a cunoscut noul client cand ea avea 10 ani, iar el 15. Dar ce s-a intamplat intre ei? Si de ce nu isi poate aminti detaliile? Jumatate roman cu suspans, jumatate basm intunecat,  Razbunarea este a mea este un tur de forta literar.

Chloe Mehdi,  Nimic nu se pierde,
tradus de Howard Curtis

Acest noir francez intunecat exploreaza consecintele violentei si intrebarile inca fara raspuns in urma uciderii unui adolescent de catre politie. Mattia, in varsta de 11 ani, isi petrece zilele gestionand emotional adultii din jurul sau, incercand sa-si impiedice profesorii sa-si dea seama ca este talentat si gandindu-se bine la uciderea lui Said, in varsta de 15 ani, in timpul unui control de identitate al politiei. Pe masura ce ia in considerare viata si moartea lui Said, el pune cap la cap puzzle-ul mai mare al opresiunii in suburbiile puternic supravegheate. Scrierea lui Mehdi evoca ce este mai bun din norul francez si ne aminteste de ce francezii au numit genul.

Mariana Enriquez,  Our Share of Night
Traducere de Megan McDowell

Ce roman ciudat si luminos. Mariana Enriquez a uimit cu colectia ei  The Dangers of Smoking in Bed,  iar  Our Share of Night  este la fel de fantastica (si fantastica). Incepand din Argentina in anii dictaturii,  Our Share of Night  urmareste un tata si un fiu intr-o calatorie rutiera condusa de durere, in timp ce deplang pierderea femeii care i-a unit, familia ei periculoasa (si posibil nemuritoare) apropiata in urmarire. Un vampir noir intunecat care anunta o noua era in groaza sud-americana.

Maud Ventura,  sotul meu
Traducere de Emma Ramadan

Sotul meu  este un thriller psihologic viclean despre o casnicie care nu este ceea ce pare. O femeie indragostita cu pasiune de sotul ei tine un jurnal detaliat al uramurilor si insultelor sale, pedepsindu-l in consecinta in numele echilibrului. Surprinzator de comic si profund perspicace,  My Husband  nu trebuie ratat.

Paula Rodriguez,  Urgent Matters
Traducere de Sarah Moses

In acest thriller argentinian perfect ritmat si complotat, un accident de tren este oportunitatea de care are nevoie un infractor pentru a-si schimba identitatea si a pleca la fuga. Din pacate, unul dintre detectivii care il vaneaza pur si simplu nu este pregatit sa renunte la caz si este gata sa foloseasca metode discutabile pentru a-si gasi tinta. Ceea ce urmeaza este unul dintre cele mai incantatoare thrillere cu pisici si soareci pe care le-am citit de ceva timp.

Maria Rosa Cutrufelli,  Tina, Mafia Soldier
Traducere de Robin Pickering-Iazzi

O femeie extravagant de violenta care serveste ca sef improbabil al unei tinute de mafie siciliana si o scriitoare din Roma in cautarea unui nou subiect cu radacini siciliene proprii sunt in centrul acestui roman provocator si in miscare rapida. Povestea este in acelasi timp o fictiune mafiota convingatoare si un atac cu ochii limpezi asupra conventiilor de gen intr-o societate inundata de coruptie si ipocrizie. – DM

Zijin Chen,  Copii rai
, tradus de Michelle Deeter

Bad Kids  este despre tot felul de oameni compromisi moral, de toate varstele. Cand trei adolescenti dau peste filmarile cu uciderea socrilor sai de catre un barbat de varsta mijlocie, ei decid sa-l santajeze. Ei sunt, de asemenea, de inteles ingrijorati de razbunare pentru unele dintre propriile lor acte si este o problema daca legea ii va prinde primul sau tinta santajului lor. Va veti descoperi ca sunteti inradacinati pentru acesti haiduci inradacinati, in ciuda actelor lor uneori odioase, pe masura ce acestia preiau simbolurile unei mari autoritati. Un noir perfect pentru China moderna!

Pilar Quintana,  Abyss
Traducere de Lisa Dillman

O tanara fata se lupta cu complexitatile lumii adultilor in acest thriller psihologic plin de capriciu. Mama ei este profund deprimata, inflorind doar atunci cand isi ingrijeste plantele sau in bratele iubitului ei, iar tatal ei este mai in varsta, absent si incapabil sa proceseze emotiile. Tatal afla de iubitul, care dispare, iar familia se indreapta spre o casa moderna din muntii Columbia pentru a-si recupera intimitatea; casa, ca si mama, este frumoasa si rece, iar fosta ei amanta a iesit intr-o noapte cu masina ei si nu s-a mai intors…

Delphine de Vigan,  Kids Run the Show
Traducere de Alison Anderson

La naiba, cartea asta s-a intunecat. De exemplu, crezi ca nu se poate intuneca mai mult, apoi se intampla. In  Kids Run the Show,  copilul mai mic al unei mame proeminente vlogger este rapit, iar pe masura ce cautarea continua, cititorul incepe sa se intrebe daca copilul ar putea fi mai bine oriunde s-ar afla decat acasa fiind filmat in mod constant. De Vigan a scris o critica zdrobitoare a culturii influencer, a stergerii vietii private si a exploatarii copiilor. Sfarsitul profetic ne duce decenii in viitor pentru a contempla ranile psihologice ale unei generatii crescute sa performeze pe internet, pentru o experienta profund tulburatoare.

Patrick Modiano,  Scena crimei,
tradus de Mark Polizzotti

Scena crimei  este, ca si alte lucrari de Modiano, o interogare a trecutului si a timpului insusi. Un tanar este subiectul de interes de catre o banda umbra de straini cu conexiuni si motivatii ambigue. Are ceva de-a face cu trecutul lui si poate cu ciudata „familie” cu care a fost parasit o vreme in tinerete, dar ce anume? Proza lui Modiano este fascinanta ca intotdeauna, tradusa in engleza de Mark Polizzotti. Povestea se desfasoara cu intriga unui noir bun, cu o profunzime neintrecuta de sentiment si curiozitate. – DM

Louise Mey,  A doua femeie
Traducere de Louise Rogers Lalaurie

A doua femeie  este in acelasi timp un thriller psihologic infiorator si o explorare viscerala a misoginiei interiorizate si a mecanismelor abuzului. Femeia titlului este noul partener al unui barbat suspectat de implicare in disparitia sotiei sale. Cand sotia se intoarce, fara aparent amintiri despre el sau fiul ei, incepe un joc de pisica si soarece, intre detectiv si sot si intre sperantele naratorului si recunoasterea ei lenta a realitatii ei intunecate.

Hye-Young Pyun,  The Owl Cries
Traducere de Sora Kim-Russell

Thrillerele psihologice uimitoare ale lui Hye-Young Pyun se adancesc in ororile de a fi uman si in mecanica opresiva a societatii moderne, iar The Owl Cries demonstreaza o scriitoare in varful jocului ei. In The Owl Cries , un ranger a disparut dintr-o padure misterioasa si din orasul retras al companiei de taietori de lemne si cercetatori. Fratele sau, un avocat de divort, porneste intr-o ancheta lejera asupra disparitiei, dar in curand se trezeste infundat in coruptia orasului si infundat in secretele acestuia.

Nicola Lagioia,  Orasul celor vii
Traducere de Ann Goldstein

Nu cred ca este posibil sa laudam suficient aceasta carte. Orasul celor vii  este un roman, dar urmareste indeaproape o crima din viata reala comisa in Italia in 2015, cand doi tineri, dupa un consum de droguri de cateva zile, au ucis cu brutalitate un alt tanar intr-o crima nesimtita si bizara. Nicola Lagioia dezvaluie toate firele complexe ale cazului, inclusiv dinamica sexuala ambigua dintre autori, homofobia care a colorat raspunsul publicului, simpatiile de dreapta a victimei si diferentele enorme de clasa dintre ucigasi si tinta lor. Cu ecouri evidente ale lui Leopold si Loeb, acest roman evoca si aceleasi sensibilitati ca si  aceste delicii violente ale lui Micah Nemerever. De asemenea, fii avertizat: daca te uiti la asta, ti se va bloca melodia Ciao Amore de ceva vreme in cap.

Christoffer Carlsson,  Blaze Me a Sun
Traducere de Rachel Willson-Broyles

Cea mai recenta senzatie de fictiune politista din Suedia este un roman cu intuitii ascutite, observatii ascutite si un sentiment patrunzator al umanitatii. De-a lungul deceniilor, Carlsson spune povestea vanatorii fara rezultat pentru un criminal in serie si posibilele legaturi cu uciderea primului ministru al tarii. Misterul procedural este in sine satisfacator, dar locul in care Carlsson exceleaza cu adevarat este in echilibrarea atmosferei intunecate si satisfacatoare cu un sentiment de dor dincolo de atingere. – DM

Istoria nu este intotdeauna un subiect pentru filmele mari, si chiar si atunci cand regizorii mai familiarizati cu exploziile decat cu manualele incearca sa implice un astfel de subiect, rezultatele pot fi destul de socante. In acelasi timp, un scriitor/regizor precum Christopher Nolan poate face cu adevarat momente cruciale din structura societatii noastre sa prinda viata in asa fel incat evenimentele concrete sa devina ceva orbitor (si, de asemenea, inspaimantator) de privit. Omul a facut-o inainte cu munca sa la Dunkirk , iar acum, cu Oppenheimer, Nolan l-a folosit pe tatal bombei atomice pentru a oferi un film biopic epic care se afla cu maiestrie intre spectacolul distractiv si reverenta istorica infricosatoare.

Dupa cum Christopher Nolan a dovedit in repetate randuri, povestile neliniare il intereseaza mai mult decat o naratiune simpla. Si inca o data, utilizarea unei astfel de intorsaturi narative il ajuta sa-l aduca pe Oppenheimer la viata in detalii stralucitoare. Combinand faptele stiintifice si istorice cu floarea sa narativa unica, Nolan ia ceea ce ar fi putut fi o drama istorica, dupa cifre, si o face o epopee captivanta.

Oppenheimer este un film de groaza intelectual captivant constant.

Intr-o vara de blockbuster, regizorul Tenet a ales sa arunce o bomba metaforica asupra competitiei, printr-un film care se simte mai potrivit pentru sezonul premiilor. Dar datorita modului constant captivant in care Oppenheimer isi implica subiectul, zorii erei atomice joaca un fel de blockbuster atipic. Exista chiar si un moment in care J. Robert Oppenheimer din Cillian Murphy isi imbraca aspectul sau iconic, pipa si tot, care se simte similar cu un super-erou care se pregateste pentru prima data intr-un film precum Batman Begins .

Aceasta observatie nu este menita sa coloreze imaginea lui Christopher Nolan ca pe o afacere superficiala. Inspirat de autorii Kai Bird si Martin J. Sherwin, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer , aceasta este o examinare ferma a vietii si a vremurilor lui Oppenheimer. Dar in loc sa arate doar calatoria lui Cillian Murphy de la inceput pana la sfarsit in mod traditional, regizorul The Dark Knight trece intre perioadele de timp pre si post atomic, aratand ambele jumatati pe un curs de coliziune cu istoria. Infuzand acele intamplari cu impuls si stil de la inceput, simti ca traiesti istoria in loc sa fii martor la ea. 

Din aceasta cauza Oppenheimer functioneaza ca un film de groaza intelectual. Chiar si fiind pe deplin constienti de evenimentele si consecintele istorice care au iesit din mostenirea Proiectului Manhattan, tensiunea si mizele par la fel de proaspete ca si cum ar fi cu o naratiune fictiva care se desfasoara pentru prima data. O parte din aceasta se datoreaza prezentarii lui Christopher Nolan, dar o alta componenta majora este distributia de stele adusa pentru a dramatiza teroarea istorica a lui Oppenheimer .  

Cillian Murphy conduce o distributie de stele care nu se simte niciodata prea aratatoare sau distragatoare.

Lumea stia ca Oppenheimer va fi o afacere plina de stele, pe masura ce distributia a anuntat pe parcursul blitz-ului promotional pre-lansare a devenit prea mare pentru a fi ignorata. Dupa ce am vazut cu adevarat filmul, este si mai placut sa realizezi ca acea lista, inclusiv jucatori grei precum Robert Downey Jr., Emily Blunt si Matt Damon, este chiar mai impresionanta decat ai crede. Totul este ancorat de o performanta extraordinara a lui Cillian Murphy, care blocheaza aceasta formula de talent uimitor cu atat de gravitate incat nu se simte niciodata ca o „casting de cascadorie”.

Toti cei din pachetul stivuit al lui Oppenheimer primesc „momentul” lor, asa ca daca vedeti o fata familiara fara replici in Actul I, aveti rabdare. Imprumutand paranoia care decurge de-a lungul povestii filmului, publicul nu stie niciodata la ce sa se astepte chiar si de la cei mai recunoscuti interpreti ascunsi inauntru. Dar din nou, J. Robert Oppenheimer al lui Murphy este cel care tine terenul, in fata si in centru, de la inceput pana la sfarsit.

Desi aceasta este o concluzie iesita dinainte, deoarece, pana la urma, interpreteaza personajul istoric titular, acest membru de lunga durata al Companiei Christopher Nolan Repertory nu joaca rolul ca atare. Cillian Murphy vede toate fatetele lui Oppenheimer si i se permite sa interactioneze in mod corespunzator cu fiecare parte din protagonistul sau complicat. 

Exista un mare respect pentru J. Robert Oppenheimer in acest proiect, dar Oppenheimer nu cauta niciodata sa profite doar de cardul „geniul tulburat care a vazut viitorul”. Uneori, Robert este viata de petrecere si geniul stiintific al zilei, iar alteori este un afemeiat indepartat al carui profund tulburat de drumul pe care pare sa-l urmeze. 

Mai mult merit ar trebui acordat lui Robert Downey Jr., deoarece portretul lui Lewis Strauss este la fel de vital si convingator in naratiunea alb-negru pe care Oppenheimer o foloseste ca contrabalansare. Este foarte greu sa rezisti sa vorbim despre distributia nebuneste de fenomenala care a fost pregatita de masina Nolan de data aceasta. Dar daca mai este pe cineva sa-l evidentieze atunci cand vine vorba de a avea aceeasi greutate narativa pe care Murphy o ridica, este Downey si portretul sau delicios de complex al unui viitor politician care trebuie sa navigheze in propria asociere cu Robert Oppenheimer intr-un mod foarte complex. . 

Este posibil ca Christopher Nolan sa se fi depasit cu Oppenheimer, contribuind si la revigorarea dramelor istorice.

Dramele istorice si stiintifice precum Oppenheimer si -au construit o reputatie de a fi infundate si plate, predispuse sa fie produse ca filme de momeala cu premii care sunt lansate spre sfarsitul anului pentru o asemenea consideratie. Desi Christopher Nolan a fost raportat ca fiind superstitios cu privire la lansarea filmelor sale in acelasi interval de timp din iulie, dezlantuirea acestui titlu captivant in mijlocul „sezonului de succes” are mult sens. 

Oppenheimer nu incearca doar sa descrie istoria, ci incearca si sa determine publicul sa se implice in cursul ei. Dupa inventia erei atomice, atat in ​​practica, cat si in politica, Nolan si distributia sa folosesc istoria existenta ca un avertisment puternic pentru a nu o repeta. In acest scop, regizorul iconic se alatura randurilor altor filme precum Tetris , care incearca sa arate lumii repercusiunile punctelor pivot despre care generatiile viitoare le citesc doar in manuale. Tratand istoria cu un nivel respectabil de floare de film de evenimente, usa este deschisa pentru ca toata lumea sa treaca si sa ia parte la povesti care anterior pareau rezervate pentru a atrage direct organismele de premii si cadrele universitare.

Experimentand Oppenheimer , publicul este invitat sa traiasca ororile acestei schimbari culturale ca si cum ar fi in viata cand s-a intamplat prima data. Aceasta metoda nu este doar placuta din punct de vedere narativ, dar poate fi vazuta si ca un apel la empatie si atentie fata de temerile pe care le-am vazut transformate in furaj de succes in deceniile care au urmat puterii distructive pe care proiectul Los Alamos a facut-o realitate. 

O examinare studioasa a istoriei, prezentata printr-o lentila reverenta a spectacolului de la Hollywood, Oppenheimer este un film bio infiorator care ar putea fi cel mai bun film al lui Christopher Nolan de pana acum. Infatisand un eveniment care a fost deopotriva minunat in potential, dar oribil in executia sa, este ambiguu in modul in care isi examineaza moral personajele, fiind in acelasi timp foarte clar in ceea ce priveste problema proliferarii nucleare. Este nimic mai putin decat un triumf cinematografic epic si ar trebui sa fie un film vestit si disecat pentru deceniile urmatoare.

Adaptarea roman-com a bestseller-ului lui Casey McQuiston Rosu, alb si albastru regal a fost asteptata cu atata nerabdare incat fiecare bucatica din film impartasita inainte de lansare a fost imbibata prin intermediul retelelor sociale in editari supercut. Acele teasers promiteau o premisa zgomotoasa, in care fiul presedintelui american Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez) si printul britanic Henry (Nicholas Galitzine) cad mai intai intr-un tort de nunta de dimensiunea unei cutii si apoi unul pentru celalalt.

Regizat de Matthew Lopez, Red, White & Royal Blue ii vede pe carismaticul Alex si inghetatul Henry aterizeaza in apa fierbinte dupa respectiva prabusire a buretilor, care este numita „catastrofa de prajitura” de presa tabloid si acoperita cu o respiratie fara suflare rezervata in mod normal pentru televiziunile in timpul zilei. pe.

Desigur, acest lucru are consecinte geopolitice pentru cercurile interne ale perechii, care o includ pe Uma Thurman, cu un accent texan usor indoielnic, ca POTUS, o intorsatura tarzie de furt de scena a lui Stephen Fry in rolul monarhului britanic si starul Sex/Life Sarah Shahi in rolul unui manipulator ironic.

Dupa un sarut de Revelion, Alex si Henry au sarcina de a pastra secreta povestea lor de dragoste, in timp ce participa la orice, de la un meci de polo caritabil pana la o seara in cinstea primului ministru (Sharon D Clarke). Atat presedintele, cat si prim-ministrul sunt jucati in mod deosebit de femei, asa ca acesta poate fi Tara Barbie in care ne-am impiedicat.

Exista suficienta emotie erotica pentru a merita un rating R – desi o mare parte din acest lucru este servita in dialogul plin de captivanti si in B-roll-ul amuzant al cladirilor de stat inalte si ridicate in anumite momente. Ahem.

Este, de asemenea, plin de destule tropi romantice pentru a aduna acel sentiment neclar si familiar al oricarei aventuri de dragoste placute de pe ecran. Exista „dusmanii indragostitilor”, „opusii se atrag”, „romantism interzis”, „a cazut primul, dar a cazut mai greu” si un interludiu esential al prietenilor de corespondenta.

Retelele de socializare sunt incorporate in mod genial in aceste secvente, cu referinte culturale precum Pop Crave, perenul viral, facand aparitie, pe platforma cunoscuta inca sub numele de Twitter cand a fost realizat filmul.

Exista anumite necazuri tonale, deoarece ocazional ne blocam in detaliile plictisitoare ale alegerilor din 2020 a lui Claremont, in timp ce preocuparile legate de reputatia familiei regale aduc niste replici, cum ar fi „secolele de istorie ale lui Henry care se indreapta pe umerii mei”.

Forta principala a lui Red, White & Royal Blue este Taylor Zakhar Perez de la The Kissing Booth , a carui performanta fermecatoare este ajutata de faptul ca este inzestrat partea leului dintre cele mai bune versuri si reuseste sa se clatina pe marginea de a fi infatisat fara sa devina. ingamfat.

Henry sincer, dar retinut, este o perspectiva mai dura, dar Nicholas Galitzine reuseste sa acorde rolului suficient de serios pentru a reusi dialogul de genul „Nu cred ca am detinut vreodata o cheie in toata viata mea” – jumatatea lui din poveste cuprinde simultan. si face un pop la stabilimentul britanic.

Participantul lui Prime Video, care este, fara indoiala, cea mai inflacarata comedie romaneasca a verii, deschide o cale sigura pentru gen, departe de eforturile din ce in ce mai blande ale Netflix. Toti TikTokeri care au desprins acele fragmente timpurii ale filmului cu siguranta nu vor fi dezamagiti.

Fiind copil al anilor 1980, sunt mai mult decat obisnuit sa vad si sa experimentez proprietatile indragite din copilarie fiind dezbracate de tot ceea ce le-a facut grozave, totul de dragul de a obtine un profit. Acest proces nu a incetinit prea mult aici in anii 2020 si, probabil, va continua pentru generatiile viitoare, dar foarte asteptata adaptare a jucariilor Barbie a Gretei Gerwig a stabilit un nou etal de referinta pentru cat de perspicace, dinamica si puternica poate fi povestirea pentru un film. Desi n-am fost niciodata pasionata de Barbie in tinerete, Margot Robbie & Co. m-a facut sa vreau sa ma urc in acel vagon roz si lustruit cu toata energia obsesiva pe care le-am dat-o Testoaselor Ninja si personajelor Batman. 

Draga filmului indie Greta Gerwig, care a scris scenariul stelar impreuna cu partenerul ei de film Noah Baumbach, s-a confruntat cu o sarcina descurajanta de a descoperi cum sa transforme o poveste plina de sens dintr-o jucarie a carei putere a venit din povestile pe care le-au inventat generatii de copii. pentru ei. Barbie poate fi inca inspirata in interiorul cutiei doar purtand o haina de doctor sau un costum de astronaut, dar numai atunci cand iese afara si se joaca cu ea adevarata ei putere prinde viata prin proiectia emotionala. Cumva, filmul reuseste sa serveasca drept o sursa de inspiratie atat pentru spectatori, cat si pentru personajul sau principal care se lupta, totul fara vibratii speciale dupa scoala.

In calitate de Stereotypical Barbie, Margot Robbie ar fi putut sa duca acest film ca un proiect solo, oferind toata indrazneala magnetica a lui Clueless ‘Cher in beatitudinea initial anti- Mean Girls din Barbieland, unde este inconjurata de alte versiuni jubile, interpretate de o multime de talente precum Alexandra Shipp, Hari Nef, Dua Lipa, Nicola Coughlan si nu numai. Rutinele zilnice ale tuturor sunt aceleasi si nimeni nu are probleme cu el, pentru ca conceptul de probleme este strain aici, cel putin omonimilor.

Aceasta opinie nu este neaparat impartasita pe deplin de populatia de Keni care asteapta atentie, care traiesc… undeva in zona. (Una dintre rasfaturile continue ale filmului este lipsa de constientizare a lui Barbie chiar si a celor mai simple detalii referitoare la grupul de Kens.) Ryan Gosling este cel mai bun aici ca cel mai la moda copil-barbat toxic posibil si este inconjurat de un pachet de ceva mai putini. Kens problematici, infatisati de actori complet de joc precum Simu Liu, Kingsley Ben-Adir, Ncuti Gatwa si Scott Evans. Odata ce protagonistele lui Robbie si Gosling isi gasesc drumul in lumea reala, perspectivele se schimba, ceea ce incepe sa sparga temelia utopiei pe care Barbie o numeste acasa.

Orice alte filme cu jucarii pot face, Barbie poate face mai bine 

Avand in vedere ca francizele Toy Story si LEGO Movie sunt doua dintre cele mai indragite si apreciate povesti care se invarte in jurul vietii active de zi cu zi a jucariilor, Barbie parea ca va fi capabila sa se potriveasca cu flerurile de comedie si vizuale ale acelor filme, cu carligul emotional. fiind un mare semn de intrebare. Dar, din fericire, nu dureaza mult pentru ca scenariul lui Gerwig si Baumbach sa declare clar ca aceasta poveste este mult mai mult decat simple gaguri despre lipsa apei curente in diferitele Case de vis. 

Datorita conexiunii ei cu lumea reala, care este mai bine salvata pentru a fi explicata in film, Barbie lui Robbie incepe sa devina mai constienta de natura ei non-umana, precum si mai constienta de cat de nerealist este Barbielandul real. – comparatii intre lume. Si aici Barbie poate aduce o abordare matura a subiectelor si emotiilor pe care Pixar si LEGO nu sunt in stare. Pentru ca nu este „doar o jucarie” precum Buzz si Woody si nu se afla in mijlocul unei naratiuni bombastice de salvare a lumii, asa cum se intampla in alte astfel de proiecte. Ea este una dintre noi si, in ciuda faptului ca a trait o viata prea perfecta pana in acest moment, inca castiga empatia publicului, pentru ca a fi uman este greu, la naiba. 

Unul dintre cele mai memorabile si minunate momente din Barbie se invarte in jurul unui fel de discurs pe care personajul lui America Ferrera il tine, care vorbeste direct despre viata ca femeie in societatea moderna si, fara indoiala, este chiar mai demn de bucurie decat orice altceva din film. Si cu tot respectul pentru orice alt film legat de jucarii din existenta, nimic altceva nu ar putea sa inceapa sa fie atat de relevant. 

Mattel le lasa pe Greta Gerwig si Margot Robbie sa o duca pe Barbie intr-o calatorie autentica de maturizare.

Cu siguranta, o versiune hiper-intunecata si nelinistitoare a lui Barbie exista probabil undeva in creierul stralucit al Gretei Gerwig si Noah Baumbach, menita pentru o lume fara supraveghere a studiourilor si a companiei de jucarii. Dar, luand in considerare toate lucrurile, filmul merge in locuri la care spectatorii nu s-ar putea astepta de la o companie globala precum Mattel. In abordarea unor concepte precum cresterea, relatiile mama-fiica si moartea, Barbie este ca o versiune rafinata a lui Drop Dead Fred (sau ceva in acea timonerie, snotface). 

Desigur, este PG-13, deci exista sferturile asteptate de umor cu tenta sexuala si subiecte usor emotionante, dar bataile emotionale sunt cele care se simt mai profund adulte decat ar indica estetica hiper-luminoasa. Pot sa ma gandesc la cateva momente care aproape cu siguranta au ridicat sprancene din partea studioului, dar nimic care sa se simta deplasat in acest univers larg. 

Si in afara tematicii generale, Mattel si-a permis de asemenea sa serveasca drept una dintre fortele antagoniste din film, avand la baza directorul general al lui Will Ferrell si consiliul sau de administratie doar pentru barbati. Trebuie sa-mi imaginez ca unele elemente au fost reduse sau eliminate, dar Gerwig joaca in joc ideea ca, in timp ce Barbie poate fi o sursa de inspiratie uimitoare, ea si Mattel pot fi, de asemenea, concepute ca fiind o picatura pe drumul catre feminism, in ciuda faptului ca s-au modelat pentru a deveni mai divers in timp. Cu toate ca Disney il lasa pe Bart Simpson sa faca glume despre Mickey Mouse, nu-mi pot imagina ca acea corporatie adopta genul de abordare auto-ingradita pe care o are Mattel. 

Complotul relativ simplu al lui Barbie este echilibrat de straturi de emotie, inima si hilaritate care ucide pe Ken. 

Oricine cauta un film dens si intrigator, care sa fie ca si cum Oppenheimer intalneste Ocean’s Eleven prin intermediul Citizen Kane , ei bine, nu ai noroc. Deoarece o astfel de critica justa la adresa lui Barbie este ca nucleul sau inalt de concept – „Daca papusa, dar si om?” asa cum a citit un personaj Ryan Gosling — nu pare ca tinteste mai sus decat cele ale unor proiecte similare. Conflictul principal al filmului se invarte in jurul unui Ken proaspat revigorat (cititi ca: anti-trezit) care incearca sa transforme Barbieland intr-o comunitate patriarhala, cu toate melodiile de volei pe plaja, beer-brewskis si Matchbox 20 pe care le puteti suporta.

Cu toate acestea, in ciuda jurnalului relativ simplist, Barbie imbina fiecare element al filmului cu straturi suplimentare de imaginatie, inima si logica jucariilor din lumea reala. Atat de multe detalii presarate de-a lungul filmului respecta modul in care copiii se joaca cu papusile, cu Barbie ciudata a lui Kate McKinnon servind drept combinatie A+ a acestor idei, iar acel tip de atentie autentica bazata pe fani merge mult chiar si fara scheme complicate, furturi si injunghiere in spate implicata. 

In plus, Barbie si-ar fi putut petrece intreaga durata doar explorand toate personajele secundare si tot s-ar fi simtit ca o castigatoare. De la presedintele lui Issa Rae, Barbie care a aparut la toate evenimentele („Esti binevenit”) pana la cearta intentionata non-violenta si abia antagonista dintre Ken-ul lui Gosling si Ken-ul lui Simu Liu pana la Michael Cera ca versiunea singura a jucariei Allan, Barbie nu duce lipsa de detalii si nuante in nicio secunda. 

Are numere muzicale, are optiuni de moda salbatice, are zeci de Kens care poarta pantaloni scurti si bentite. Barbie este un film care defineste generatia, care trebuie iubit si bucurat de toata lumea, de la cei care au crescut in primele zile ale liniei de papusi pana la adolescentii care abordeaza multe dintre problemele de identitate si fizicitate pe care le reprezinta filmul. Sau chiar de cineva ca mine, un tip de 40 de ani care poate a petrecut sase minute in total in viata tinand de fapt o Barbie. Multumesc ca m-ai facut fan.  

Bird Box a schimbat jocul pentru Netflix in 2018. Serviciul de streaming a lansat filme notabile cu vedete importante de cinema inainte, dar Bird Box a fost primul sau film original care a jucat ca un blockbuster in perioada festiva a acelui an. Filmul ramane al patrulea cel mai vizionat film de la Netflix din toate timpurile, asa ca surpriza este ca a durat cinci ani pentru a reveni in acea lume. Poate si mai surprinzator este ca, in loc de Bird Box 2, cu Sandra Bullock inapoi in rolul lui Malorie, vom obtine un film spin-off sub forma Bird Box Barcelona .

Avand loc in aceeasi cronologie cu primul film, noul film – lansat acum pe Netflix – schimba actiunea la Barcelona. Acesta ii urmareste pe Sebastian (Mario Casas) si pe fiica sa Anna (Alejandra Howard) in timp ce incearca sa supravietuiasca amenintarii tot mai mari care a decimat populatia lumii.

Dar in curand devine evident ca aceasta familiaritate este acolo pentru a ne linisti intr-un fals sentiment de siguranta. O dezvaluire timpurie, pe care nu o vom strica aici, schimba complet Bird Box Barcelona din filmul pe care credeai ca il urmaresti in ceva mai convingator.

Din acest moment, filmul ar putea urma o structura similara cu Bird Box, cu cronologie duble, dar este o groaza cu totul mai eficienta. In cazul in care in Bird Box stiai ca Malorie va fi bine odata cu deschiderea filmului cinci ani in viitor, nu ai nicio patura de confort aici.

In timp ce Sebastian si Anna isi continua calatoria pe strazile pustii din Barcelona impreuna cu colegii supravietuitori, exista o imprevizibilitate care ii lipsea primului film. Piesele de decor sunt mai tensionate, imaginile sunt mai urate si mai intunecate si este un ceas cu totul mai nelinistitor.

Conceptul ca acestea sunt o manifestare a celor mai mari temeri ale tuturor este in mod inerent mai terifiant decat orice ar putea arata artistii VFX, asa ca filmul se extinde asupra entitatii in moduri diferite. Desi exista inca o ambiguitate cu privire la entitate, filmul creeaza unghiuri interesante pe care fie un alt film spin-off, fie o continuare directa ar putea continua.

De asemenea, ai spera ca orice ne-ar rezerva viitorul, nu este ultimul pe care il vedem din aceasta distributie, deoarece este un ansamblu puternic. Conceptul este suficient de puternic in sine, dar distributia il ridica, in special Mario Casas, care este magnetic in rolul lui Sebastian si Georgina Campbell a lui Barbarian , care isi continua munca excelenta de groaza ca colega supravietuitoare Claire.

Mi s-a parut ca Bird Box nu a folosit niciodata pe deplin conceptul sau si, in ciuda faptului ca avea momentele sale, a ajuns sa se simta putin prea in siguranta. Bird Box Barcelona , ​​totusi, ia conceptul si il stoarce pentru teroarea intensa pe care ar trebui sa o ofere.

Se asteapta o escaladare in continuare, iar Meg 2: The Trench al regizorului Ben Wheatley are toate ingredientele necesare. In timp ce predecesorul sau prezinta un singur Megalodon ca sursa de teroare a filmului, continuarea nu numai ca aduce mai multi Megalodon, dar deschide santul de adancime din care au venit si face si mai multe creaturi preistorice sa scape in lumea noastra. Scena este pregatita pentru un haos acvatic cu Jason Statham in centrul a tot ceea ce se intampla si incearca sa salveze ziua.

Dar acea experienta cinematografica prosteasca si exploziva de vara nu este ceea ce se ofera. Cu un scenariu care este peste tot, filmul nu face nimic deosebit de creativ sau convingator cu lista sa mai mare de monstri (acest sentiment include foarte mult actiunea monstru vs. monstru), iar actiunea distractiva cu rechinul mare este inecata de excesul de gatit. complot care nu are legatura cu Meg, care include o operatiune de exploatare ilegala in sant, o cartita corporativa, reaparitia unui vechi inamic si multe altele. Exista secvente ridicole care ofera ceea ce cauta publicul – cum ar fi Statham care se invarte pe un jet ski aruncand harpoane explozive – dar, de cele mai multe ori, pare ca filmul doar cauta ce sa faca cu personajele sale (si nu suficient de raspunsurile implica pesti colosali, carnivori).

Amplasat la cativa ani dupa evenimentele din aventura anterioara, Meg 2: The Trench il ajunge din urma pe Jonas Taylor (Jason Statham) in timp ce acesta este angajat in munca de spionaj, scotand probe impotriva unei companii care arunca ilegal materiale radioactive… dar asta este pur si simplu material pentru a oferi filmului o secventa de actiune de deschidere. El ramane conectat la lumea Megalodonilor datorita lui Jiuming (Wu Jing), fratele lui Suyin Zhang al lui Li Bingbing din primul film – despre care se dezvaluie moartea – si directorului Institutului Oceanic Zhang. Institutul gazduieste singurul Megalodon aflat in captivitate, dar cautarile exploratorii au continuat in peisajul de adancime titular, iar Jonas este invitat sa se alature lui Jiuming si echipajului sau intr-o misiune intr-un sector neexplorat.

Lucrurile merg prost cand Jonas descopera ca tanarul curios Meiying (Sophia Cai) – fiica lui Suyin si nepoata lui Jiuming – s-a strans la bordul submarinului sau, dar lucrurile se inrautatesc rapid cand exploratorii descopera o instalatie subacvatica masiva. Se dovedeste ca un vechi dusman al lui Jonas, pe nume Montes (Sergio Peris-Mencheta) a fost implicat intr-o operatiune de exploatare a metalelor pamantesti, iar cand vede submarinele institutului venind, declanseaza o explozie masiva pentru a nu fi prins. Acest lucru nu numai ca are ca efect dezactivarea vehiculelor pe care Jonas si Jiuming le piloteaza, lasandu-i pe ei, colegii lor de stiinta si pe Meiying blocati la 25.000 de picioare sub apa, dar, de asemenea, deschide o cale de apa calda prin termoclinul care acopera santul si permite monstrii. care locuiesc in adancuri pentru a inota spre suprafata.

Sperai la haosul monstrilor preistorici din Meg 2? Ajustati-va asteptarile.

Oricine a vazut vreodata un documentar despre natura despre adancurile oceanului este constient de entitatile bizare care locuiesc acolo, modelate de evolutie in conditii extreme, si ati crede ca Meg 2: The Trench ar profita de acest fapt populand. actiunea cu toate varietatile de fiinte ciudate. In schimb, filmul prezinta un total mare de trei – si care include Megalodonul. Pe langa rechinii preistorici, exista o caracatita uriasa (care pur si simplu se parcheaza in portul de agrement al unei statiuni in actul al treilea si isi biciuieste tentaculele in jurul unui buchet) si o turma de dinozauri amfibieni de marimea unui aligator, cu dinti ascutiti (care ajunge sa fie o carja pentru blockbuster deoarece terorizeaza personajele pe uscat si nu doar in/langa apa). Nu este atat un swing-and-a-miss, cat un strikeout cu aspect prins, deoarece oportunitatea pentru un haos prost si imaginativ este ocolita pentru actiune care ajunge sa fie monotona. Beat-urile unice sunt inexistente – minus cateva momente excelente centrate pe Statham – si toate par prea familiare de la alte blockbuster-uri similare… inclusiv The Meg .

Cu o actiune dezamagitoare, personajele plictisitoare si complotul lui Meg 2 sunt si mai vizibile.

Aceste probleme sunt agravate de faptul ca Meg 2: The Trench nu are nimic de preferat in afara de elementele sale de creatura si carisma lui Jason Statham. Este toata intriga si nicio poveste, deoarece evolutiile imping personajele de la scena la scena, dar – oarecum ironic – nu ofera niciodata nicio profunzime. Cu exceptia DJ-ului lui Page Kennedy, un om de stiinta al institutului care primeste o oarecare rascumparare dupa ce a fost un punchline in primul film, niciunul dintre personaje nu are niciun fel de personalitate sau ciudatenie care sa-i individualizeze si toti vorbesc cu aceeasi voce generala. . Prezenta lui Meiying ajunge de fapt sa fie o parte esentiala a experientei, deoarece varsta si inocenta ei ofera filmului singura sursa de mize personale pentru eroi.

Unii ar putea raspunde la aceasta critica spunand: „Nu-mi pasa de poveste si personaje; Vreau doar sa ma distrez cu un film mare si prost cu rechini.” Aceasta nu este o interpretare nerezonabila in cazul asteptarilor pentru Meg 2 , dar realitatea este ca, fara ca nimic sa incurajeze investitia publicului, scenele dintre scenele devin repetitive si plictisitoare.

Meg 2: Trench-ul vrea sa fie vazut doar ca o distractie prosteasca, dar nu o castiga.

Prezentand o secventa in care Jason Statham fara costum de scafandru supravietuieste in timp ce inoata 25.000 de metri sub apa, Meg 2: The Trench in mod clar nu este conceput ca un film care trebuie luat prea in serios… dar nu este suficient de distractiv pentru a castiga aceasta automultumire. Predecesorul filmului a facut ca aceasta asteptare sa functioneze, desi cu probleme semnificative proprii. Dar continuarea promite prea multe si nu se livreaza, iar acea dezamagire ramane cu tine pe masura ce iesi din teatru.

In acest moment al francizei, stii aproape ce vei obtine cu filmele The Equalizer ale regizorului Antoine Fuqua. Prin primele doua filme, l-am cunoscut pe Robert McCall din Denzel Washington ca pe un protagonist fermecator caruia ii plac oamenii buni si are o problema serioasa cu cei rai – o atitudine care de cele mai multe ori il determina sa execute violenta inspaimantatoare. Publicul apreciaza in mod clar, transele din 2014 si 2018 fiind ambele hituri de succes, iar daca ti-au placut, sunt sanse mari sa te bucuri de The Equalizer 3, care este creat pentru a oferi mai mult din ceea ce predecesorii sai au oferit deja.

Acesta nu este un film cu multa ambitie. Nu este construit pentru a construi in mod semnificativ pe continuitatea existenta (in sensul utilizarii canonului sau al jocului pentru fani loiali care acorda o atentie deosebita detaliilor) si nu incearca sa faca nimic radical cu personajele sale pentru a schimba lucrurile in mod intentionat. doar pentru ca este o a doua continuare. Indiferent daca este sau nu intentionat, The Equalizer 3 reflecta materialul sursa al serialului prin faptul ca are atmosfera unei emisiuni TV episodice/sindicate – este doar ia eroul si il arunca intr-o noua locatie, inconjurat de noi fete si conflicte. Este construit pentru a fi inteles de fani si de nou-veniti deopotriva si este… bine.

La fel ca Antoine Fuqua si Denzel Washington, scenaristul Richard Wenk s-a intors pentru The Equalizer 3, iar de data aceasta incepe actiunea cu Robert McCall isi duce activitatile de bunavointa in Sicilia, Italia si se afla intr-o confruntare cu o puternica organizatie criminala. Fostul ofiter DIA de la Marine/pensionat reuseste sa omoare pe toata lumea si sa recupereze bani pentru unul dintre „clientii” sai, dar ajunge sa fie impuscat in spate si aproape sa moara. Singurul motiv pentru care nu moare este pentru ca este gasit lesinat pe marginea drumului intr-o masina de Gio (Eugenio Mastrandrea), un politist care il duce la un medic local pe nume Enzo (Remo Girone) pentru asistenta medicala. .

Pe masura ce isi revine dupa accidentarea aproape fatala, Robert devine rapid indragostit de micul sat italian in care locuieste Enzo si se multumeste in comunitatea stransa. Se imprieteneste cu localnicii si, drept urmare, nu poate sa stea pe loc si sa nu faca nimic atunci cand recunoaste ca o pereche de frati cu legaturi cu mafia siciliana (Andrea Scarduzio, Andrea Dodero) ameninta oamenii si ii zguduie. pentru bani de protectie. Protagonistul recunoaste ca exista o operatiune mai mare in joc si cheama ajutorul CIA – in special un agent Emma Collins (Dakota Fanning) – dar isi asuma si responsabilitatea personala pentru a se asigura ca nu mai sunt raniti oameni nevinovati.

Equalizer 3 nu rescrie manualul de serie si acesta obtine rezultatele la care te-ai astepta.

Desi de obicei incerc sa revin filmele de franciza inainte de sosirea unei noi continuare, nu am reusit sa fac asta pentru The Equalizer 3 – dar cred ca asta mi-a ajutat doar aprecierea pentru film, pentru ca practic este doar un alt riff pe toate aceleasi elemente de baza ca The Equalizer si . Carisma atotputernica a lui Denzel Washington este in plin efect pe masura ce Robert se vindeca si se aclimatiza la noua sa casa italiana, proiectand dragostea profunda a personajului pentru cetatenii morali, de la sarea pamantului, dar mai exista si cealalta fata a monedei. Raucatorii nu sunt doar corupti si ingrozitori, ci sunt cruzi si viciosi, ceea ce face cu atat mai satisfacator cand Robert trece in modul prost si se ocupa de afaceri.Egalizatorul 2

Este simplu si eficient (in sensul ca filmul te face cu adevarat sa-ti doresti sa-l vezi pe Robert facand dreptate impotriva grupului central de nenorociti din complot), dar nici nu se poate spune ca fi deosebit de satisfacator. Oricat de placut este sa-i vezi pe Denzel Washington si Dakota Fanning din nou impreuna la aproape 20 de ani dupa Man On Fire al lui Tony Scott, actorii in cele din urma nu au suficient timp. impreuna, si totul cu CIA se simte aranjat si lipsit de mize, deoarece se simte detasat de povestea principala si toate cele mai mari momente se concentreaza pe personajul principal. Equalizer 3 functioneaza, de asemenea, cu o problema de escaladare, deoarece majoritatea filmului il vede pe Robert infruntandu-se cu unul dintre fratii mafiei siciliene si mai ales isi salveaza fratele pentru al treilea act (care se simte inapoi si are un impact negativ asupra investitiei emotionale in actiune).

Robert McCall de la Denzel Washington este atat de brutal cateodata, incat de fapt ia ceva valoare de divertisment.

Actiunea mentionata este un amestec amestecat, iar aprecierea ei va fi determinata de sensibilitatile personale – si inca o data este un caz in care, daca ti-a placut de doua ori anterioare, probabil ca ti-ar placea in aceasta. Antoine Fuqua se inclina inca o data in libertatea care vine cu un rating R, dar ii lipseste si acea picatura de caricatura care este atat de eficient reusita in John Wick Filme – rareori permitand The Equalizer 3 sa se simta „distractiv” ca un blockbuster. Intre gravitatea lui Denzel Washington, moralitatea alb-negru si violenta brutala si viscerala, totul se simte foarte mult despre o justitie serioasa si, desi asta are cu siguranta merit cinematografic, tonul nu permite filmului sa atinga divertismentul maxim. potential.

Cel putin, The Equalizer 3 pare o concluzie pentru serie si multumeste in acest sens.

Equalizer 3 este neuniform si uneori putin prea simplu pentru binele sau, dar un element semnificativ pe care il are in colt este un deznodamant satisfacator dupa punctul culminant dezastruos. Dupa o vara cu mai multe „Parte 1” si intr-o perioada de la Hollywood in care francizele continua sa functioneze pana cand banii se usuca, filmul de actiune condus de Denzel Washington ofera un sfarsit real pentru arcul personajului principal, iar momentul este potrivit de facut. asa de. Este o nota pozitiva care reflecta bine experienta in ansamblu, dar nici nu mascheaza in totalitate problemele blockbuster-ului.